"dünya" sanat, modern algı - Soğuk savaştan küreselleşme e - ütopik küreselleşme: dünyanın dönüşümü sanat yoluyla

Modern perception of “world” art - From the Cold War to Globalization: The role they continue to play in our perception of “world” art. Picasso and the Politics of Visual Representation: War and Peace in the Era of the Cold War and Since actually raises a series of issues which historiography persists in ignoring. Resulting from a lecture given to mark the exhibition Picasso: Peace and Freedom, conceived for Tate Liverpool in 2010 by Lynda Morris and Christopher Grunenberg, the subject of the essays brought together in this volume is not only the winning of hearts and minds, as represented by the Cold War, but also the role which this latter continues to play in our perception of “world” art. In his introduction (“Picasso as a Sign of Class Struggle”, pp. 9-26), Jonathan Harris reminds us that a reference work such as Art Since 1900: Modernism, Anti-modernism, Postmodernism (Thames & Hudson, 2004), albeit edited by such renowned art historians as Yve-Alain Bois, Benjamin H. D. Buchloh, Hal Foster and Rosalind Krauss, makes “virtually no mention” of Pablo Picasso’s output after 1945. A series of communications shows the sum of decisions which fuel this silence, when outright hostility is not involved, by introducing a lot of information about the painter’s involvement in communist and anti-fascist organizations through which he pursued his fight against Franco’s regime. If Lynda Morris describes his involvement with the French Communist Party and in the Movement for Peace, as well as his wrangles with the communist authorities (“The Battle for Picasso’s Mind”, p. 27-49), Paula Barreiro López singles out the artist’s successive refusals of offers of rapprochement formulated by representatives of a Spain that was soon part of NATO, and emphasizes the constant support he gave to dissident Spaniards and to spokespeople for countries fighting against the colonial powers (“Classified Files: Picasso, the Regime and the Avant-Garde in Francoist Spain”, p. 89-107). Sarah Wilson, for her part, (“Loyalty and Blood: Picasso’s FBI File”, p. 129-145), dedicates to the files that the FBI had on Pablo Picasso a study which demonstrates as much the incompetence of the offices responsible for that monitoring (but, it is true, effectively doubled by the CIA) as the importance assumed by the ‘cold warrior’ for each of the two camps. Slightly prior to this, David Craven analyses Pablo Picasso’s output in the light of his anti-militarist and anti-colonial positions (“When Picasso Was Feared by the U.S. Government”, p. 109-128). Without going into detail about these analyses, in the wake of Jonathan Harris’s work, we can here observe how Pablo Picasso’s image is diffracted in so many questioned representations, starting with our own present. Likewise, the legacy of the Cold War is broached starting from the “globalized world, at once alike and different” in which we are living. The issues posed by post-colonial studies make it possible, for example, to raise questions which the positions constructed by the narratives in which we are enveloped help to hide. Jonathan Harris is involved with a comparable exercise in The Utopian Globalists: Artists of Worldwide Revolution, 1919-2009. In it he traces the developments of the utopia aimed at a transformation of the world by art (‘utopian globalism’) from the early 1920s up to the present day, by analyzing the gradual dovetailing of this critical thinking and techniques peculiar to the society of the spectacle, in the context of a growing globalization of exchanges. In refusing to apply analytical tables leading to the treatment as isolated units of practices corresponding to one and the same set of questions to do with social hierarchies and the role of art in the creation of a common life, the art historian proposes an archaeology of these “media-generated” utopian constructions, whose real point of departure is, here again, the Cold War. Each case study helps him to emphasize certain features of the transformative structure, proposing as he does to examine its effects from the viewpoint of a globalized world. Pablo Picasso’s involvement with the French Communist Party, and in particular in the campaigns aimed at winning the international community over to the goals of the Movement for Peace, appears in this light typical of a moment when going along with the objectives of a political party was already associated with communication strategies on an international scale. The interpretation sheds light on the representations of the community, which continue to structure approaches often regarded as manifestations of an autonomous artistic sphere. Haunted by the idea of a global community identified with Eurasia, Joseph Beuys, through his actions, criticized what Guy Debord, for his part, described as the generalized spectacle of the Cold War. The dream of unity thus took the form of the myth of an ahistorical Orient depicted as a source of harmony from which would come the salvation of the materialist, narrowly rationalist civilization promoted by capitalism and Marxist socialism. The refusal of any affiliation with traditional political parties (typical, we might add, in the case of Joseph Beuys, of a conservative revolutionary discourse from which also issues his injunction to return to an organic community) culminates in the total artwork represented by an event such as Bed-in, organized in May 1969 by John Lennon and Yoko Ono in a Montreal hotel room where, surrounded by journalists and cameras, the two stars created a composite entity incarnating the merger of West and East. It was again this act of going beyond divisions of community that Christo and Jeanne-Claude, cultural engineers of a new type, represented by wrapping the Reichstag. This kind of archaeology is in part a theoretical fiction, the challenge being to reveal narrative potential which the narratives, focusing on formalist, apolitical categories inherited from the Cold War, have the effect of neutralizing. In no case is the analysis confined to a new essentialist narrative and Jonathan Harris manages simultaneously to highlight extremely complex socio-historical processes and the work carried out on existing narratives based on questions suited to the present time. Otherwise put, he manages to practice a history displaying its own narrative procedures. In a more radical way, he demonstrates that Tate Modern, a museum with aspirations which are themselves globalizing, has, through a series of spectacular works sponsored by Unilever, carried on the great utopian history of the avant-gardes, which are in the throes of fading away. In the context of a globalized economy, the world community image only now survives, he concludes, in the advertising messages of multinationals.

Superstudio group - Firenze

Issus d’une conférence prononcée à l’occasion de l’exposition Picasso: Peace and Freedom, conçue à la Tate Liverpool en 2010 par Lynda Morris et Christopher Grunenberg, les essais réunis dans ce volume ont non seulement pour objet la conquête des cœurs et des esprits que fut la Guerre froide, mais aussi le rôle que celle-ci continue à jouer dans notre perception de l’art « mondial ». En introduction (« Picasso as a Sign of Class Struggle », p. 9-26), Jonathan Harris rappelle qu’un ouvrage de synthèse comme Art since 1900: Modernism, Antimodernism, Postmodernism (Thames & Hudson, 2004), pourtant dirigé par des historiens de l’art aussi réputés qu’Yve-Alain Bois, Benjamin H. D. Buchloh, Hall Foster et Rosalind Krauss, ne fait « virtuellement aucune mention » de la production de Pablo Picasso après 1945. Une suite de communications montre la somme de partis pris qui nourrit ce silence, quand ce n’est pas une franche hostilité, en apportant de nombreuses informations sur l’engagement du peintre dans des organisations communistes ou antifascistes, à travers lesquelles il poursuivit son combat contre le régime franquiste. Si Lynda Morris décrit son engagement auprès du PCF et dans le Mouvement pour la paix, ainsi que ses démêlées avec les autorités communistes (« The Battle for Picasso’s Mind », p. 27-49), Paula Barreiro López pointe les refus successifs que l’artiste opposa aux offres de rapprochement formulées par les représentants d’une Espagne bientôt intégrée dans l’OTAN et souligne le soutien constant qu’il apporta aux dissidents espagnols comme aux porte-paroles des pays qui luttaient contre les puissances coloniales (« Classified Files : Picasso, the Regime and the Avant-garde in Francoist Spain », p. 89-107). Sarah Wilson, quant à elle (« Loyalty and Blood: Picasso’s FBI File », p. 129-145), consacre aux dossiers que le FBI constitua sur Pablo Picasso une étude qui démontre autant l’incompétence des officiers chargés de ce suivi (mais, il est vrai, efficacement doublés par la CIA) que l’importance que le cold warrior prit pour chacun des deux camps. David Craven, peu avant, analyse la production de Pablo Picasso à la lumière de ses positions antimilitaristes et anticoloniales (« When Picasso Was feared by the US Government », p. 109-128).

Sans entrer dans le détail de ces analyses, on peut observer ici, à la suite de Jonathan Harris, comment l’image de Pablo Picasso se trouve diffractée en autant de représentations interrogées à partir de notre propre présent. De même l’héritage de la Guerre froide est-il abordé à partir du « monde globalisé, tout à la fois semblable et différent » où nous vivons. Les questions posées par les études postcoloniales permettent, par exemple, de soulever des interrogations que les positions, construites par les récits dans lesquels nous sommes enveloppés, contribuent à occulter. C’est à un exercice comparable que se livre Jonathan Harris dans The Utopian Globalists: Artists of Worldwide Revolution, 1919-2009. Il y retrace les développements de l’utopie d’une transformation du monde par l’art (utopian globalism) de l’orée des années 1920 jusqu’à nos jours en analysant la progressive intrication de cette pensée critique et des techniques propres à la société du spectacle dans le contexte d’une globalisation croissante des échanges (globalisation). Refusant d’appliquer des grilles d’analyse conduisant à traiter comme des unités isolées des pratiques qui répondent à un même ensemble de questions concernant les hiérarchies sociales et le rôle de l’art dans la création d’une vie commune, l’historien de l’art propose une archéologie de ces constructions utopiques « médiatiques », dont le véritable point de départ est, là encore, la Guerre froide. Chaque étude de cas lui permet de souligner certains traits de la structure transformative dont il se propose d’examiner les effets depuis le point de vue d’un monde globalisé. L’engagement de Pablo Picasso au sein du PCF, et en particulier dans les campagnes destinées à gagner la communauté mondiale aux objectifs du Mouvement pour la paix, apparaît sous ce jour caractéristique d’un moment où l’adhésion aux objectifs d’un parti politique se conjugue déjà avec des stratégies de communication à échelle internationale. L’interprétation met en lumière les représentations de la communauté, qui continuent à structurer des démarches souvent considérées comme des manifestations d’une sphère artistique autonome. Joseph Beuys, hanté par l’idéal d’une communauté globale identifiée à l’Eurasie, critique à travers ses actions ce que Guy Debord décrit de son côté comme le spectacle généralisé de la Guerre froide. Le rêve d’unité prend alors la forme du mythe d’un Orient a-historique dépeint comme une source d’harmonie d’où viendra le salut de la civilisation matérialiste, étroitement rationaliste, promue par le capitalisme et le socialisme marxiste. Le refus de toute affiliation aux partis politiques traditionnels (typique, peut-on ajouter, dans le cas de Joseph Beuys, d’un discours révolutionnaire conservateur dont procède aussi son injonction à revenir à une communauté organique) culmine dans l’œuvre d’art totale que constitue un event comme Bed-in, organisé en mai 1969 par John Lennon et Yoko Ono dans une chambre d’hôtel de Montréal où, entourées de journalistes et de caméras, les deux stars créent une entité composite incarnant la fusion de l’Ouest et de l’Est. C’est encore ce dépassement des divisions de la communauté que Christo et Jeanne-Claude, ingénieurs culturels d’un nouveau type, figurent en emballant le Reichstag. Une telle archéologie demeure en partie une fiction théorique, l’enjeu étant de révéler des potentialités narratives que les récits, centrés sur des catégories formalistes, apolitiques, héritées de la Guerre froide, ont pour effet de neutraliser. En aucun cas l’analyse ne se referme sur un nouveau récit essentialiste. Jonathan Harris parvient à mettre simultanément en évidence des processus socio-historiques extrêmement complexes et le travail accompli sur des récits existants à partir d’interrogations propres au temps présent. Autrement dit, il réussit à pratiquer une histoire exposant ses propres procédés narratifs. Plus radicalement, il démontre que la Tate Modern, un musée aux aspirations elles-mêmes globalisantes, a poursuivi à travers la série des œuvres spectaculaires sponsorisées par Unilever la grande histoire utopique des avant-gardes, en voie d’épuisement. Dans le contexte d’une économie globalisée, l’image communautaire mondiale ne survit plus, conclut-il, que dans les messages publicitaires des multinationales.

http://critiquedart.revues.org/13575  

Mavi: bir rengin tarihçesi - Kleopatra'nın göz farı - kiliselerde vitray pencereler - gerçekdışılık ile ilişkili Matisse için - Fra Angelico: lacivert mavi meryemana için vs

It is probably a tall order to assert that, of all the colours there are, blue is the one that painters are most attached to, but, for historians, it is still an object of analysis that has long been prompting a host of questions and comments. The recent books by Frédérique Jacquemin and Michel Pastoureau are evidence of as much, both establishing, as they do, and in an almost simultaneous way, a history of blue, inviting us to grasp the rich symbolism of this colour, and the many different uses made of it down the ages.

The 200-odd pages of Frédérique Jacquemin’s book usher us into the specific world of a colour whose subtle shades were so admired by Rainer Maria Rilke, and about which he dreamed that an author might one day write a biography. The term used by the Austrian poet is a precious one–blue is indeed a living matter, which merits our attention. Better still, it appears to him like a specific being and, by this token, eligible for a biography. So this is the challenge that the author takes up, and which leads him to construct his synopsis. In the twenty or so short chapters devoted to it, blue appears in all its disconcerting diversity. In Cleopatra’s eye shadow, stained-glass windows in churches, and painters’ canvases, it finds the wherewithal of its most comprehensive sphere of influence. Its virtues, secrets and misfortunes punctuate a history where warmongering deeds–those involving madder- and woad-merchants–relativize the angelism with which Matisse was fond of associating this colour. Ultramarine blue hallows the Virgins of Fra Angelico, but once it became indigo, it marked American history with the fateful seal of slavery. Frédérique Jacquemin’s analysis is based, as we can see, as much on examples taken from art history as from history, period. Herein lies its main merit. The analysis is embarked upon with some interesting proposals but, like the foreword and the short poetic anthology which are the book’s opening gambits, the body of the text itself comes across like a sampling, which may leave more attentive and exacting readers a trifle disappointed. The works with incomplete captions feature in a not very usable list, a charge that can also, sadly, be levelled at the index of names, which are listed without page numbers. Despite these flaws, the book does stick to its brief, and is, as a result, engaging enough, offering, as it does, an itinerary that is plentifully and interestingly illustrated.

Artist: Sounya Planes

Bleu : histoire d’une couleur, by the historian Michel Pastoureau, is a study that is at once highly structured and deeply informed. Its plan is clear to see and the writing concise. Straightaway the author gets us to grasp and understand colour–blue, as it happens–within a distinctly historical perspective, and not, as is too often the case, with a purely neurobiological axe to grind. Colour, as a cultural construct rather than a natural phenomenon, and a societal fact rather than any cross-cultural truth, belongs to social history, and, like other colours, blue is an object of rules and regulations and challenges, which the author strives to describe throughout his fine survey. Based on every manner of document–not restricted to the pictorial and artistic arena–, Michel Pastoureau’s analysis of the colour in question takes note of the development of the language attaching to it, as well as of the various tastes and fashions which at times appear as moralizing phenomena, no less. The use of blue may, actually, also be as much a symbol of barbarism as of the most refined of civilizations, depending on the period. Its emergence, incidentaly, is a lengthy one. Clothing and iconography alike would overlook its value, and its beauty even more so, for a long time. It had no uses during the prehistoric period, with the egregious exception of Egypt, and was only little used by the Romans. It played no part in liturgists’ activities, and was barely dabbled in during the early Middle Ages, but blue would one day finally burst forth in the magnificent stained-glass windows of the Gothic age. Abbot Suger gave it his full backing, and in the name of his illuminating faith, encouraged its promotion, despite the colour-shy choices of Clairvaux. From then on, blue found its way into both imagery and customs. The fitting and relevant illustrations offered in this book help us to discover its swift development which would never falter again. Images of the Virgin Mary, annunciations, presentations at the temple–the whole iconography of the Marian cult sprang up under the aegis of the colour blue, which, economically speaking, also enjoyed a constant growth. Time, then, for the war between red dyers and blue dyers, a war that would only draw to a close when dyeing techniques were sufficiently evolved and the vogue for blue was thoroughly guaranteed. From blue as a royal attribute to the blue that worship, art and clothing fashion would shortly choose, there was room for every manner of practice and taste. Romanticism would keenly espouse it, as would the political order, whose coats-of-arms, cockades and flags all contained the new values it was intent on conveying. The political and military effectiveness of blue then came to the fore. The Revolution was anything but indifferent to its symbolic power, and the same went for all those armies which, sooner rather than later, would adopt this colour for its protective virtues. In this respect, the author shrewdly reminds us that the delay with which the French army traded its red trousers for blue, lay, in 1914, at the root of many a bloodbath on the battlefield. Well before Prussian blue clashed with the “blue horizon”, the young Levi Strauss cut the imperial jean from the blue canvas of his tent. This would in no time oust all other sartorial blues–uniforms, overalls, work clothes–and henceforth clad young people the world over, and in this strange conformism these same young people were nevertheless bound to find the symbol of their emancipation. From Picasso to Klein, by way of Eluard and Monory, the blue period was not restricted just to artists, poets and musicians. Today more than ever, blue is the colour of social consensus. Election campaign posters all use it as their background, as do all those flags that flutter over nations and countries. It is to such lines of thought that Michel Pastoureau’s beautiful book invites its readers.

Il est sans doute difficile d’affirmer que le bleu est, parmi toutes les couleurs, celle que les peintres affectionnent le plus mais il reste, chez les historiens, un objet d’analyse qui suscite depuis longtemps les interrogations et les commentaires les plus nombreux. Les récents ouvrages de Frédérique Jacquemin et de Michel Pastoureau en témoignent qui, de manière quasi simultanée, établissent tous deux une histoire du bleu et nous convient à appréhender la riche symbolique de cette couleur comme les multiples usages qui furent faits d’elle au cours des âges.

Les quelque deux cents pages que comporte le livre de Frédérique Jacquemin nous font cheminer dans l’univers particulier d’une couleur dont Rainer Maria Rilke admirait tant les nuances subtiles et à propos de laquelle il rêvait qu’un auteur, un jour, consacrât une biographie. Le terme utilisé par le poète autrichien est précieux : le bleu est bien une matière vivante à laquelle il convient de porter attention. Mieux, il lui apparaît comme un être singulier et, à ce titre, passible d’une biographie. C’est donc ce défi que l’auteur va relever et qui va l’amener à construire son synopsis. Au fil de la vingtaine de courts chapitres qui lui est consacré, le bleu apparaît dans sa troublante diversité. Il trouve dans le fard à paupière de Cléopâtre, les vitraux des églises ou la toile des peintres les moyens de son plus complet rayonnement. Ses vertus, ses secrets, ses infortunes jalonnent une histoire où les actions guerrières —celles qu’engagent les marchands de garance et de guède— relativisent l’angélisme auquel Matisse aimait associer cette couleur. Le bleu outremer sanctifie les Vierges de l’Angelico, mais devenu indigo, il marque l’histoire américaine du sceau funeste de l’esclavage. L’analyse de Frédérique Jacquemin repose, on le voit, autant sur les exemples pris dans l’histoire de l’art que dans l’histoire tout court. C’est là son mérite principal. L’analyse ouvre sur des propositions intéressantes mais, à l’instar de l’avant-propos et de la petite anthologie poétique qui ouvrent le livre, le corps du texte se présente comme un échantillonnage qui peut laisser sur sa faim un lecteur plus attentif et exigeant. Les œuvres aux légendes lacunaires figurent dans une liste peu utilisable, comme l’est aussi malheureusement l’index des noms cités sans pagination. Malgré ces défauts, l’ouvrage, dans l’objectif qui est le sien, reste attachant et offre un parcours doté d’une iconographie abondante et intéressante.

Bleu : histoire d’une couleur, de l’historien Michel Pastoureau, est une étude à la fois très structurée et très informée. Le plan en est clair et l’écriture concise. D’emblée, l’auteur nous amène à appréhender la couleur —le bleu, en l’occurrence— dans une perspective nettement historique, et non pas, comme trop fréquemment, dans une visée purement neurobiologique. Construction culturelle plus que phénomène naturel, fait de société plus que vérité transculturelle, la couleur appartient à l’histoire sociale et le bleu, comme les autres, est objet de règlements et d’enjeux dont l’auteur va s’employer, tout au long de sa belle étude, à rendre compte. Fondée sur des documents de toute nature —non limités au champ pictural ou artistique— l’analyse de Michel Pastoureau sur la couleur en question fait état de l’évolution du langage qui lui est attaché, de celle des goûts et des modes qui, parfois, apparaissent comme de véritables phénomènes de moralisation. L’usage du bleu peut, en effet, selon les périodes, être aussi bien le symbole de la barbarie que celui de la civilisation la plus raffinée. Son émergence est, du reste, fort longue. Le vêtement comme l’iconographie ignoreront longtemps sa valeur et plus encore sa beauté. Nul durant la période préhistorique, à l’exception notable de l’Egypte, son usage reste faible chez les romains. Absent chez les liturgistes et peu goûté dans le haut Moyen Age, le bleu resplendira un jour enfin dans les imposantes verrières du Gothique. L’abbé Suger lui apporte son soutien et, au nom de la foi lumineuse, favorise sa promotion, malgré les choix chromophobes de Clairvaux. Dès lors, le bleu entre dans les images comme dans les mœurs. La juste et pertinente iconographie proposée dans l’ouvrage nous permet de découvrir son essor qui, plus jamais, ne se démentira. Images de la Vierge, annonciations, présentations au temple : toute l’iconographie du culte marial se développe sous le signe du bleu, lequel, au plan économique, connaît aussi une constante valorisation. La guerre des teinturiers du rouge et du bleu peut alors commencer. Elle ne cessera que lorsque les techniques de la teinture seront suffisamment évoluées et que la vogue du bleu sera entièrement assurée. Du bleu attribut royal à celui que le culte, l’art, la mode vestimentaire choisiront bientôt, il y a place pour toutes les pratiques et pour tous les goûts. Le Romantisme l’adoptera avec ferveur tout comme l’ordre politique dont les armoiries, les cocardes, les drapeaux arborent les valeurs nouvelles qu’il entend véhiculer. Surgit alors l’efficace politique et militaire du bleu. La Révolution ne restera pas indifférente à sa force symbolique tout comme l’ensemble des armées qui plus ou moins rapidement adoptera la couleur pour ses vertus protectrices. A cet égard, l’auteur rappelle judicieusement que le retard pris par l’armée française à troquer le pantalon rouge contre le bleu fut, en 1914, à l’origine de considérables hécatombes sur les champs de bataille. Bien avant que le bleu de Prusse n’affronte le “bleu horizon”, le jeune Levi Strauss taillait dans la toile bleue de sa tente l’impérial jean. Celui-ci allait bien vite supplanter tous les autres bleus vestimentaires —uniformes, blouses, vêtements de travail— et habiller dorénavant la jeunesse planétaire qui, dans ce curieux conformisme, devait néanmoins trouver le symbole de son émancipation. De Picasso à Klein, en passant par Eluard et Monory, la période bleue ne saurait être celle des seuls artistes, poètes ou musiciens. Le bleu, aujourd’hui plus que jamais, est la couleur du consensus social. Les affiches des campagnes électorales le prennent toutes pour fond tout comme les drapeaux sous lesquels se rangent les nations et les pays. C’est à de telles réflexions qu’invite le beau livre de Michel Pastoureau.

Uluslararası Sitüasyonizm ve Avangard - Mayıs 1968 döneminde teori ve devrimci fikirler (Fransız halk ayaklanması) - "Gösteri Toplumu" Guy Debord

Among the various avant-garde movements in the latter half of the 20th century, the Situationist International has a place all of its own, not least because it is seen as having acted as a platform of theory and revolutionary ferment during the explosion of May 1968. Since 1989, the year of the retrospective put on at Beaubourg, the reprint of the magazine of the Situationist International, combined with the publication of a certain number of critical essays, have helped to further analyse the Situationist phenomenon, with its various implications and repercussions. Editions Sulliver have just translated two Italian studies of the subject. Both retrace the history of the movement by focusing in particular on examining the awkward links between art and politics. In her book L’Esthétique, le politique, Mirella Bandini analyses the postwar artistic context, which, in 1957, encouraged the emergence of the Situationist International. Using journals, magazines, statements and events, she then retraces the movement’s early period up until 1961--the year when the issue of «art being exceeded» was settled by the exclusion from the group of all members hailing from artistic circles. Gianfranco Marelli’s L’Amère victoire du Situationnisme--which parodies the title of an article that appeared in the first issue of the Situationist International: «L’amère victoire du surréalisme»--reconstructs the movement’s critical development, from the premises of its inception to its final break-up in 1972. Marelli also takes a very close look at the decisive change of direction that occurred in 1961, when the Situationist International switched from being an aesthetic avant-garde movement to a political and ideological avant-garde period.

It was, as it happens, in artistic circles that the Situationists had made their first headway. Noting the flop of Dadaism and Surrealism, when it came to changing life by transforming society, and advancing the real and the imaginary hand-in-hand, a certain number of figures involved in these same areas of ideas came together to express their desire to carry out research in free experimentation, where «art was exceeded». To start with there was the COBRA group, which was very swiftly taken over by the Movement for an Imaginist Bauhaus and the Lettrist International, the dissident movement of Isidore Isou’s French Lettrisme. The four European artists who were conspicuous in this initial and decidedly neo-Futurist stage--the Frenchman Guy Debord, the Dane Asger Jorn, the Dutchman Benjamin Constant and the Italian Giuseppe Pinot Gallizio (together with the German members of the SPUR group)--were keen to checkmate the figure of the professional artist who had been incorporated within the art market, and promote a «free and dilettante» artist whose life, as lived, and whose social commitmemt would be his main work.  In 1957, at the Cosio d’Arroscia conference, these different artists and the groups they represented all merged by founding the Situationist International whose main ideas were, on the one hand, the relentless criticism of the so-called art avant-gardes (abstract art, needless to say, but more importantly the psychic automatism of the Surrealists and the neo-Constructivist functionalism of the Ulm Bauhaus, run by Max Bill) and, on the other, the experimental approach in the artistic arena, aimed at coming up with new values and laying the bases for a new society. In the very first issue of theSituationist International, it reflected a busy output of theoeretical writings focusing on the radical transformation of all fields of art, from architecture to painting by way of film and writing. At this stage, the weaponry, as it were, was still above all artistic. The Situationists, hailing for the most part from art circles, were firmly persuaded that cultural work was the most advanced expression of bourgeois society. So it was within this culture that revolutionary action must be conducted, for it was there that the breakdown of the values of the capitalist system was most evident. However, problems were soon to crop up, arising from ideological contradictions which G. Marelli skilfully sheds light on. Thenceforth, the production of any kind of work, which would be inevitably scooped up by the contemporary cultural world thirsty for modernism, became suspect, not to say impossible. It was above all Guy Debord who issued a harsh denunciation of any possibility of salvage by the market and museums. It was this paradox and this problem of staying on the sidelines, while still being keen to speed up change in tangible ways, which would bring about first the exclusion of P. Gallizio, who was guilty of having agreed to show his cave of anti-matter in the Stedelijk Museum in Amsterdam, then the resignation of B. Constant, who was starting to make proposals about integrated city life that were too factual and too precise, and lastly that of A. Jorn in 1961. The absolute refusal of the work of art as revolutionary wherewithal was the culmination of the issue of «art being exceeded», which had lain at the root of the movement since 1957. The figure of Guy Debord then assumed the dimension of no less than the «leader» of a movement which, by incorporating the survival of art within the art of living (later called life-style), could thus respond to the «project of the authentic artist». M. Bandini turns her back on any real historicization of the movement, describing Situationism rather as a dynamic phenomenon of turbulent ideological militancy, and a basic questioning about the place of art, now altogether subordinate to the market, in modern society. As for G. Marelli, he observes that «the end of the Situationist International coincided with the success of Situationism». He actually notes the ease with which a «critical theory thus concerned with not being salvaged and used by the powers-that-be» was so quickly absorbed, to the point of becoming a «cure» for soothing the subversive fever brought about by individual alienation in the society of the spectacle.

With the re-emergence of the avant-garde spirit that occurred in the postwar period, Situationism definitely played the most radical hand, which consisted in brandishing the torch of revolution precisely where previous avant-gardes had foundered. It was its coherence which created its limits and its greatness alike. This is why posing questions about the ideological challenges of Situationism is tantamount to assessing the issue of modernity in this 20th century of ours. It is also easy to understand today’s interest in this movement in Italy, the country which, with Futurism, saw the birth of the very culture of the avant-gardes for which Situationism was eager to be the extreme synthesis.

Parmi les mouvements d’avant-garde de la seconde moitié du siècle, l’Internationale Situationniste occupe une place à part, notamment parce qu’il lui est reconnu d’avoir servi de plate-forme théorique et de ferment révolutionnaire à l’explosion de Mai 1968. Depuis 1989, date de la rétrospective présentée à Beaubourg, le reprint de la revue de l’Internationale Situationniste ainsi que la parution d’un certain nombre d’essais critiques ont permis d’analyser encore mieux le phénomène situationniste, ses implications et ses retombées. Les Editions Sulliver viennent de traduire deux ouvrages italiens sur le sujet. Tous deux refont l’histoire du mouvement en s’attachant en particulier à étudier les rapports difficiles de l’art et du politique. Dans son livre L’Esthétique, le politique,Mirella Bandini analyse le contexte artistique de l’après-guerre, qui a favorisé l’émergence en 1957 de l’Internationale Situationniste. Elle retrace ensuite, à travers revues, déclarations et actions, la première période du mouvement qui se termine en 1961 -date à laquelle la question du “dépassement de l’art” est réglée par l’exclusion de tous les membres du groupe provenant de la sphère artistique. L’Amère victoire du Situationnisme de Gianfranco Marelli -parodiant là le titre d’un texte paru dans le premier numéro de l’Internationale Situationniste : “L’amère victoire du surréalisme”- reconstruit l’évolution critique du mouvement, des prémisses de sa naissance à sa dissolution définitive en 1972, accordant lui aussi une attention très minutieuse au virage définitif de 1961 où d’avant-garde esthétique, l’Internationale Situationniste devient uniquement avant-garde politique et idéologique. C’est en effet dans le milieu artistique que les situationnistes avaient fait leurs premiers pas. Constatant l’échec du Dadaïsme et du Surréalisme à changer la vie en transformant la société, et à faire avancer de concert le réel et l’imaginaire, un certain nombre de personnalités issues de ces mêmes courants d’idées s’étaient regroupées au nom de leur désir d’une recherche de libre expérimentation et de “dépassement de l’art”. C’est d’abord COBRA, relayé très vite par le Bauhaus Imaginiste et par l’Internationale Lettriste, mouvement dissident du Lettrisme français d’Isidore Isou. Les quatre artistes européens qui marquent cette première étape nettement néo-futuriste -le français Guy Debord, le danois Asger Jorn, le hollandais Constant et l’italien Pinot Gallizio (avec les allemands du groupe SPUR)- cherchent à mettre en échec la figure du peintre professionnel intégré au marché de l’art, en faveur d’un artiste “libre et dilettante” dont la vie vécue et l’engagement social constitueraient la principale œuvre. En 1957, à la conférence de Cosio d’Arroscia, ces différents artistes et les groupes qu’ils représentent fusionnent en fondant l’Internationale Situationniste dont les idées majeures sont d’une part la critique impitoyable des soi-disant avant-gardes artistiques (art abstrait bien sûr, mais surtout automatisme psychique des surréalistes et fonctionnalisme néo-constructiviste du Bauhaus d’Ulm animé par Max Bill) et d’autre part la démarche expérimentale dans le champ artistique visant à dégager de nouvelles valeurs et à poser les bases d’une nouvelle société. Dès son premier numéro, l’Internationale Situationniste reflète une intense production d’écrits théoriques qui vise à transformer radicalement tous les domaines de l’art, de l’architecture à la peinture en passant par le cinéma et l’écriture. A ce stade, les moyens d’action sont encore avant tout artistiques. Les Situationnistes, dont la plupart sont issus du milieu artistique, ont la conviction que le travail culturel est l’expression la plus avancée de la société bourgeoise. C’est donc au sein de la culture qu’il faut porter l’action révolutionnaire, car c’est là que se manifeste ouvertement la décomposition des valeurs du système capitaliste. Toutefois, les problèmes vont aussitôt apparaître du fait de contradictions idéologiques que G. Marelli met fort bien en évidence. Dès lors, la production de n’importe quelle œuvre, fatalement destinée à être récupérée par le monde culturel contemporain avide de modernisme, devient suspecte, voire impossible. C’est surtout G. Debord qui opère une implacable dénonciation de toute possibilité de récupération par le marché ou le musée. C’est ce paradoxe et cette difficulté à se maintenir en marge tout en voulant accélérer le changement de manière concrète qui provoquera l’exclusion de P. Gallizio, coupable d’avoir accepté de présenter sa caverne de l’anti-matière au Stedelijk Museum d’Amsterdam, puis la démission de Constant, qui commence à faire des propositions trop factuelles et trop précises d’urbanisme unitaire, et enfin celle de Jorn en 1961. Le refus absolu de l’œuvre d’art en tant que moyen révolutionnaire est l’aboutissement de la problématique du “dépassement de l’art” qui était au cœur du mouvement depuis 1957. La figure de G. Debord prend alors la dimension de véritableleader d’un mouvement qui, englobant la survie de l’art dans l’art de vivre, peut ainsi répondre à son “projet de l’artiste authentique”. M. Bandini se refuse à une véritable historisation du mouvement, faisant plutôt du Situationnisme une dynamique de militantisme idéologique tourmenté, une interrogation fondamentale sur la place de l’art, désormais entièrement assujetti au marché, dans la société moderne. Quant à G. Marelli, il remarque que « la fin de l’Internationale Situationniste a coïncidé avec le succès du situationnisme ». Il constate en effet avec quelle facilité, une “théorie critique aussi attentive à ne pas être récupérée et utilisée par le pouvoir” a pu être aussi rapidement absorbée, jusqu’à devenir un “remède” pour calmer les fièvres subversives qu’engendre l’aliénation individuelle dans la société du spectacle.

Dans la résurgence de l’esprit d’avant-garde qui s’est manifesté lors de l’après-guerre, le Situationnisme a certainement joué la carte la plus radicale qui consistait à porter le flambeau révolutionnaire exactement là où les précédentes avant-gardes avaient échoué. C’est sa cohérence qui en a fait à la fois ses limites et sa grandeur. C’est pourquoi interroger les enjeux idéologiques du Situationnisme revient à faire le bilan de la modernité de notre siècle. On comprend également l’intérêt que l’on porte aujourd’hui à ce mouvement en Italie, dans le pays qui a vu naître, avec le Futurisme, la culture même des avant-gardes dont le Situationnisme s’est voulu l’extrême synthèse.  

Bilimsel vatandaşın siyasi oluşumu - Bilimsel ve teknolojik alandaki gelişmeleri "sessiz tanıkları" - modernlik: yenilikler/ tartışmalı yenilikler

The political construction of the scientific citizen - The imperative of citizen engagement, which Ulrike Felt has identified in European discourses and which Yves Jeanneret has suggested is present in the “duty to look” implicit in optical communication in respect of the title of “sustainable development”, represents a henceforth central element in arrangements for the mediatisation of science, whether this involves installations, demonstrations, consultations or hybrid forums. The contributions by Philippe Chavot, Anne Masseran, Alan Irwin and Maja Horst analyse, on the basis of a range of experiences and terrains, the consequences of this mutation in the role conferred on the public: whereas its members were for a long time limited to serving as the “silent witnesses” of developments in the scientific and technological field, its members are now being called on to play the role of “active participants”. In a good many European and national discourses and organised systems of programmes on the relationship between science and the public, a serious trend is emerging: science is perceived as an integral part of society, and it belongs to the same world as the citizen. As a result, it is no longer a matter of merely setting science alongside society, but rather of demonstrating that science is part of society – “in society”, to adopt the term used in European policies. In the same way, members of the public who have become “citizens” are given rights and are subject to a duty of engagement or at the very least a duty of expression when faced with technical and scientific developments. Identifying three communication paradigms behind the “meeting-points of science and society”, Philippe Chavot and Anne Masseran show that the exhibitions mounted by France’s “Scientific Culture Centres” are often guided by the promotion of science in the same way as debates involving citizens may be underpinned by a hierarchy of implicit knowledge and values in which science, as a cultural reference point, predominates. The citizen’s supposed “desire” to engage is then shaped by these arrangements, which promote expression and the formation of opinions: places of mediatisation, equipped with formal expression mechanisms or mechanisms that formalise expression, appear to open up to alternative points of view and knowledge, while at the same time assigning them a predefined place and role. Thus the arrangements made for “meeting points” between society and science replay, order and reorganise debates which, when sensitive subjects are involved, often take place outside the institutional framework. In consequence it is legitimate to wonder in what contexts, around what objects in particular, and with what powers the citizen “desires” to engage? And, indeed, why should citizens want to engage? Taking citizen engagement seriously would be tantamount to examining these questions “seriously” even before conceptualising arrangements for participation. Thus the questions raised by the citizen’s engagement with the sciences demand a re-examination of the relationship between communication and policy. With this in mind, Alan Irwin analyses the political construction of the scientific citizen: what role and what status are conferred on citizens who participate in debates and public consultations, and on “lay” people sitting on scientific committees? We may of course be sceptical about the mechanisms that constrain or on the contrary force expression. A good number of researchers and critics have demonstrated that these were often mere simulations of debates, the outcome of which was known in advance. Nevertheless, Alan Irwin stresses what can be learned from these discussions: in the debates and consultations we may trace the wealth of public performations of techno-scientific potentialities, and understand what these debates have brought into existence, even if they do not achieve the results anticipated by their initiators and/or by the parties concerned (“stakeholders”). While it is self-evident that citizens assess and express critical judgements, it is still necessary to provide the conditions that confer an effective status on this engagement: this must be done at an earlier stage – before decisions are actually made –, with “lay” people having the status of real stakeholders, recognised as a source of knowledge and opinions. It would then be apparent that focalising on technical and scientific innovations and their capacity to provide the nation with well being and economic strength is not a condition unique to governance and that it would be better to open up and take other perspectives into consideration: the construction (”building”) of identities and their possible pooling, the giving of meaning, the active constitution of opinions which are only very occasionally definitively stabilised. In short, the citizen’s engagement in consultations and debates can and should be seen as a dynamic, non-fixed expression, far removed from fixation on the production of massive, immediate effects perceptible in a change of citizens’ attitude. It is as much to do with communication as it is with politics. Engagement at an early stage does not only concern potentially controversial innovations. It is a prerequisite for effective citizen engagement in the context of any type of research, including research in social sciences which are – should be? – closely interwoven in technical and scientific developments. This is what Maja Horst points to in an analysis of an experiment to which she contributed in two respects, in terms of both research and the devising of an installation placing the research before visitors. The “stem cells network” installation organised in Copenhagen offers visitors a cognitive and emotional exploration of the social and ethical issues involved in stem cell research. Rather than displaying closed, inward-looking results, the installation displayed a number of hypotheses examined as part of a social sciences research project, and ensured that visitors took part in the project to some extent. It was therefore not merely a matter of “making something felt” through immersion in the processes, results and statements of science. On the contrary, the design team tried to break with both the linear model – even if that were to mean taking on the appearance of immersion – and the deficit model which presupposes a “scientific education” prior to any expression being possible. While it is true that the installation did not achieve all its objectives, it nevertheless constituted a real collective learning process involving social science researchers, artistic designers, and visitors. This co-construction of knowledge was possible because the installation invited citizens to engage in a debate at an early stage in the process, led researchers to question their own presuppositions and to dare to formulate questions rather than answers, and also led its designers to consider that the installation might take on a shape not defined in advance.

La construction politique du citoyen scientifique - L’impératif d’engagement du citoyen qu’Ulrike Felt a identifié dans les discours européens et dont Yves Jeanneret a suggéré la présence à travers le « devoir de regarder » induit par la communication optique autour de la formule-inscription « développement durable », représente un élément désormais central dans les dispositifs de médiation des sciences – qu’il s’agisse d’installations, de manifestations, de consultations ou de forum hybrides. Les contributions de Philippe Chavot, Anne Masseran, Alan Irwin et Maja Horst analysent, à partir d’expériences et de terrains divers, les conséquences de cette mutation du rôle conféré au public : longtemps cantonné à être le « témoin silencieux » des développements techno-scientifiques, il est désormais appelé à jouer un rôle de « participant actif ». Dans nombre de discours et programmatiques européens et nationaux sur les relations entre science et publics, une tendance lourde s’affirme : la science est perçue comme une partie intégrante de la société, elle appartient au même monde que le citoyen. Dès lors, il ne s’agit plus de simplement juxtaposer science et société, mais de donner à voir la science « en » société – ou « dans la société » pour reprendre les termes des politiques européennes. Dans le même mouvement, le public devenu « citoyen » est doté de droit et soumis à un devoir d’engagement ou tout du moins d’expression face aux développements techno-scientifiques. Dégageant trois paradigmes de communication animant les espaces de « rencontre science-société », Philippe Chavot et Anne Masseran montrent que les expositions proposées par les Centres de culture scientifique sont souvent orientées par la promotion de la science tout comme les débats impliquant les citoyens peuvent être sous-tendus par une hiérarchie des savoirs et des valeurs implicites où la science, en tant que référent culturel, est prédominante. Le supposé « désir » d’engagement du citoyen est alors conformé par ces dispositifs qui incitent à l’expression, à la formation d’opinions : dotés de mécanismes formels d’expression/formalisant l’expression, les espaces de médiation semblent s’ouvrir sur des points de vue et des savoirs alternatifs, tout en leur assignant une place et un rôle prédéfinis. Les dispositifs de « rencontre science-société » rejouent, ordonnent, réagencent alors des débats qui, lorsqu’il s’agit de sujets sensibles, ont souvent déjà lieu hors institution. Dès lors, on peut se poser la question de savoir dans quels contextes, autour de quels objets en particulier, avec quels pouvoirs le citoyen « désire » s’engager? Et, au fond, pourquoi voudrait-il s’engager? Prendre l’engagement du citoyen au sérieux reviendrait à examiner « sérieusement » ces questions avant même de conceptualiser les dispositifs de participation. Les questions soulevées par l’engagement citoyen avec les sciences exigent ainsi un réexamen des relations entre communication et politique. En ce sens, Alan Irwin analyse la construction politique du citoyen scientifique : quel rôle et quel statut attribue-t-on au citoyen participant aux débats et consultations publiques ou au « profane » (lay) intégré dans des comités scientifiques? Certes, on peut être sceptique à l’égard des mécanismes contraignant (à) l’expression. Nombre de chercheurs et de critiques ont démontré qu’ils n’étaient souvent que des simulacres de débats dont l’issue est connue d’avance. Cependant, Alan Irwin met l’accent sur les enseignements qu’apportent ces discussions. Ainsi peut-on déceler dans les débats et consultations la richesse des performations publiques de potentialités techno-scientifiques, comprendre ce que ces débats ont fait exister, et ce, même s’ils n’atteignent pas le résultat escompté par leurs initiateurs et/ou par les parties prenantes (stakeholders). S’il est patent que les citoyens évaluent, expriment des jugements critiques, encore faut-il ménager les conditions qui conféreront un statut effectif à cet engagement : celui-ci doit être suscité en amont – avant que les décisions ne soient effectivement prises –, le « profane » bénéficiant d’un statut d’acteur réel et reconnu en tant que source de savoirs et d’opinions. Il apparaîtrait alors que la focalisation sur les innovations techno-scientifiques et sur leur capacité à apporter à la nation bien-être et puissance économique n’est pas une condition unique à la gouvernance et qu’elle gagnerait à s’ouvrir sur la prise en compte de perspectives autres : la construction (building) des identités et leur éventuelle mise en commun, les mises en sens, la constitution active d’opinions qui sont rarement définitivement stabilisées. Bref, l’engagement du citoyen dans les consultations et les débats peut et doit s’envisager comme une expression dynamique, non figée, loin de sa crispation sur la production d’effets massifs et immédiats perceptibles dans un changement d’attitude des citoyens. L’enjeu est ainsi autant communicationnel que politique.

L’engagement en amont ne concerne pas seulement les innovations potentiellement controversées. Il représente un pré-requis à l’engagement effectif du citoyen dans le cadre de toute recherche, y compris les recherches en sciences sociales qui sont – devraient être? – intimement imbriquées aux développements techno-scientifiques. C’est ce que donne à voir Maja Horst à travers l’analyse d’une expérience à laquelle elle a contribué sur deux plans : celui de la recherche et celui de la conception d’une installation soumettant cette même recherche aux visiteurs. L’installation « le réseau des cellules souches », organisée à Copenhague, proposait aux visiteurs une exploration cognitive et émotionnelle des questions sociales et éthiques relatives aux recherches sur les cellules souches. Plutôt que d’exposer des résultats clos, fermés sur eux-mêmes, l’installation faisait état d’hypothèses examinées dans le cadre d’un projet de recherche en sciences sociales, et conduisait les visiteurs à participer, d’une certaine manière, à ce projet. Il n’était donc pas simplement question de « faire ressentir » à travers une immersion des procédés, résultats, énoncés de la science. Au contraire, l’équipe de conception a tenté de rompre à la fois avec le modèle linéaire – fut-il travesti sous les apparats de l’immersion – et avec le modèle du déficit qui présuppose une « éducation scientifique » préalable à l’expression. L’installation n’a certes pas atteint tous ses objectifs, cependant elle a constitué un véritable processus d’apprentissage collectif impliquant chercheurs en sciences sociales, concepteurs artistiques et visiteurs. Cette construction des savoirs a été possible car le dispositif invitait les citoyens à s’engager dans un débat en amont, amenait les chercheurs à s’interroger sur leurs propres présupposés et à oser exposer des questions plutôt que des réponses, et enfin conduisait les concepteurs à envisager que l’installation puisse prendre une forme non préalablement définie. Philippe Chavot et Anne Masseran

http://questionsdecommunication.revues.org/366

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Looking at the planet globally -The first two texts in this special report highlight a change in the way of thinking about the mediatisation of the sciences and their publics. The historic approach to popularisation developed by Bernadette Bensaude-Vincent shows that vulgarisation is a dated process, characteristic of the twentieth century. It sets up a representation of science as a scheme of autonomous knowledge – all the more so in that it is directed and financed by the State. The members of the public are called on to be consumers of science that is attractive, appealing, simplified, and vulgarised – and indeed sometimes rendered “vulgar”. There is never, however, any serious proposal for the public to approach science more closely. The author then recalls in timely fashion the conclusions reached as early as the 1970s: it is vulgarisation that creates the very gap between sacralised science and a profane public that it claims to bridge. Popular science, at its peak in the nineteenth century and of which Camille Flammarion was one of the most famous representatives, involved an enthusiastic public seizing hold of an alternative form of science which was freely available to them because it was not institutionalised. Vulgarisation puts an end to that ambition, as its aim is to offer a simplified translation of an official science presented to the public as an object to be admired. As a moment in history, vulgarisation now has to face the competition of the emergent citizen sciences of the twenty-first century. Through them, the centre of interest is shifting: it is now less a matter of communicating “in the name of science” and more of making citizens participate “in the name of democracy”. This change is evident in the discourse of senior European officials. Incorporating the critique of their own presuppositions, the organised systems of programmes in Europe concerning the “improvement” of relations between the sciences, technology and their publics are strengthened by the evolutions in academic debates. Identifying four key moments in European discourses, Ulrike Felt questions both the evolution and the sturdiness of certain presuppositions. In the 1980 and 1990s, the deficit model, supported by Euro-barometer surveys, imposed the necessity of informing a public with no knowledge of science and consequently distrustful of its developments. Here again, the idea is to bridge the gap of ignorance. The 2000s saw an increasingly insistent valorisation of initiatives involving “the citizen” in techno-scientific choices. Europe inventories, measures and calibrates initiatives in its member States and issues a set of “good practices” which allocate a new role to the members of the public: henceforth they must be in a position to participate, to engage. However, this change in discursive orientation only partly hides the constants which limit the scope of this evolution. The formalisation of the problem and the solutions envisaged remain unchanged, the aim of the mediatisation of the sciences being to contribute to making Europe “the most competitive and dynamic knowledge-based economy in the world […] with more and better jobs and greater social cohesion” (EC, 2000). In this context, the public – often described as vague, worried, poorly informed, and distrustful – constitutes an obstacle rather than a resource. Thus whatever arrangements are being considered – informing the citizen-public, increasing its awareness, or involving it in the process – science systematically remains the dominant, ultimate reference.

Senior European officials thus place the “universality of scientific responses” at the heart of the discussions on science and society. The inventory of good practices and all the “transferability” measures refer to it: science festivals, science workshops, consensus conferences, etc. These are models that are deemed capable of being both exported and generalised. Felt goes on to highlight a paradox: these arrangements owe their “success” to a considerable extent to their inclusion in culture, and to their compatibility with rituals and local political practices. Is it possible to expect the same “success” if they are de(re)contextualised? These relations between the local and global levels also give us something to think about when we consider the way in which sustainable development is mediatised. The icons, diagrams, and audiovisual productions on this subject constitute a particularly rich area for analysis, and Yves Jeanneret offers a stimulating approach to the question. In this case, communication does not appear to be burdened with tensions between the specific and the general, but on the contrary plays on and/or with paradoxes in order to produce a “package” that is efficient on both fronts. The author analyses the transformations in discourse, the decontextualisation of words, the construction of optical representations of the objects of knowledge, and shows how the wording of a title – sustainable development – opens up a global agenda which takes root at the local level and tames a set of active forces while still preserving a vision and scientific and liberal “governance” of the issue. Functioning like a global written sign, the notion of “sustainable” incorporates a number of constraints in the form of an organised system of programmes and a necessity: development, ecology, and the social aspect. It is therefore theory, methodology and instrument at one and the same time. Thus the translation of this title into an icon – the rose graph – makes it possible to organise the policy of sustainability and to render visible the non-scientific knowledge involved in the construction of the programme. The rose graph places the fields of the economy, ecology and social matters in a functional equivalence and at the same time places sustainable development in a perspective of optimisation mobilising, above all, local management knowledge. However, and without any fundamental contradiction, this highly pragmatic local approach comes up against competition from ceremonial media events, as with the films Home (Arthus-Bertrand, 2009) and An Inconvenient Truth (Guggenheim, 2006). These audiovisual productions globalise both the outlook and the message. They make it our duty to look at the planet globally, while at the same time domesticating our relationship with our world as our home.

Regarder la planète dans sa globalité - Les deux premiers textes de ce dossier mettent en évidence un tournant dans la manière de penser la médiation des sciences et ses publics. L’approche historique de la popularisation développée par Bernadette Bensaude-Vincent montre que la vulgarisation est un processus daté, caractéristique du XXe siècle. Elle instaure une représentation de la science en tant que régime de savoir autonome – et ce d’autant plus s’il est orienté et financé par l’État. Le public est appelé à être le consommateur d’une science attractive, séduisante, simplifiée, vulgarisée, sinon rendue « vulgaire ». Mais jamais il ne lui est, sérieusement, proposé de s’en approcher. L’auteure rappelle alors opportunément les conclusions tirées dès les années 70 : la vulgarisation creuse elle-même le fossé entre une science sacralisée et un public profane, tout en prétendant le combler. Or, la science populaire, régnant au XIXe siècle et dont Camille Flammarion est l’un des plus célèbres représentants, impliquait un public d’amateurs s’emparant d’une science alternative, libre parce que non institutionnalisée. La vulgarisation met fin à cette ambition. En effet, elle se veut traduction simplifiée d’une science officielle présentée au public comme un objet d’admiration. Moment de l’histoire, la vulgarisation est désormais concurrencée par les sciences citoyennes émergeantes du XXIe siècle. À travers elles, le centre d’intérêt se déplace : il s’agit désormais moins de communiquer « au nom de la science » que de faire participer les citoyens « au nom de la démocratie ». Ce tournant est manifeste dans les discours de cadrage européens. Intégrant la critique de leurs propres présupposés, les programmatiques européennes concernant « l’amélioration » des relations entre les sciences, les technologies et leurs publics se nourrissent des évolutions des débats académiques. Identifiant quatre moments dans les discours européens, Ulrike Felt interroge à la fois leurs évolutions et la robustesse de certains présupposés. Dans les années 80-90, le modèle du déficit, étayé par les enquêtes eurobaromètriques, impose la nécessité d’informer un public ignorant en science et donc méfiant face à ses développements. L’idée est là encore de combler le fossé d’ignorance. Les années 2000 sont le théâtre d’une valorisation de plus en plus insistante des initiatives impliquant le « citoyen » dans des choix technoscientifiques. L’Europe recense, mesure, calibre les initiatives dans les États-membres et délivre un ensemble de « bonnes pratiques » qui attribuent aux publics un nouveau rôle : il devrait désormais être en mesure de participer, de s’engager. Mais ce changement d’orientation discursif ne masque que partiellement les constantes qui limitent la portée de cette évolution. La formalisation du problème et les solutions envisagées demeurent inchangées, l’objectif de la médiation des sciences est de contribuer à ce que l’Europe devienne « l’économie de la connaissance la plus compétitive et la plus dynamique du monde […] accompagnée d’une amélioration quantitative et qualitative de l’emploi et d’une plus grande cohésion sociale » (ce, 2000). Dans ce cadre, le public – souvent décrit comme velléitaire, inquiet, mal informé, et méfiant – constitue un obstacle plus qu’une ressource. Aussi, quels que soient les dispositifs envisagés, qu’il s’agisse d’informer, de sensibiliser ou d’impliquer le public-citoyen, la science demeure-t-il systématiquement la référence dominante et ultime.

Ce cadrage européen place ainsi « l’universalité des réponses scientifiques » au centre des débats science-société. Le répertoire de « bonnes pratiques » et les mesures de la « transférabilité » s’y réfèrent : les fêtes de la science, les science shops, les conférences de consensus, etc. il s’agit là de modèles jugés exportables et généralisables. Felt met alors en évidence un paradoxe : ces dispositifs doivent en grande partie leur « succès » à leur inscription culturelle, à leur compatibilité avec des rituels et des pratiques politiques locales. Peut-on en attendre le même « succès » lorsqu’ils seront dé(re)contextualisés? Ces relations entre le local et le global constituent également matière à réflexion lorsqu’on considère la manière dont le développement durable est médié. Les icônes, les diagrammes, les productions audiovisuelles relatifs à ce sujet constituent un terrain d’analyse particulièrement riche dont Yves Jeanneret propose une lecture stimulante. Dans ce cas, la communication ne semble pas encombrée par des tensions entre le situé et le général, mais au contraire, (se) joue des paradoxes pour produire un « package » efficient sur les deux plans. L’auteur analyse les transformations discursives, la décontextualisation de la parole, la construction de représentations optiques des objets de savoirs et montre comment une formule-inscription – le développement durable – ouvre un agenda global qui s’institue au niveau local, apprivoise un ensemble de forces vives tout en préservant une vision et une gestion (gouvernance) scientifique et libérale du problème. Fonctionnant comme un signe écrit global, le sustainableintègre différentes contraintes sous la forme d’une programmatique et d’une nécessité : le développement, l’écologie et le social. Il est donc à la fois théorie, méthodologie, instrument. Ainsi la traduction iconique de cette formule-inscription – le diagramme de la rosace – permet-elle d’ordonner la politique du sustainable et de rendre visible les savoirs autres que scientifiques engagés dans la construction du programme. La rosace place les domaines de l’économie, de l’écologie et du social en équivalence fonctionnelle tout en inscrivant le développement durable dans une perspective d’optimisation mobilisant avant tout les savoirs gestionnaires locaux. Cependant, et sans contradiction fondamentale, cette approche locale très pragmatique est concurrencée par des événements médiatiques cérémoniels, à l’instar des films Home (Arthus-Bertrand, 2009) et An Inconvenient Truth (Guggenheim, 2006). Ces productions audiovisuelles mondialisent le regard et planétarisent le message. Elles nous mettent en devoir de regarder la planète dans sa globalité tout en domestiquant notre rapport à notre terre-maison-home. Philippe Chavot et Anne Masseran